Improvisieren?

Ich hatte heute mal wieder Unterricht, ähm, mal wieder nicht geübt, was ich sollte, sondern nur ein bisschen für den Marching Band Gig letzten Sonntag die Stücke wieder ein bisschen hervorgeholt, nach der langen Sommerpause.

Und dann: Tenor Madness, Thema wiederholen, mein Lehrer ans Klavier und los gings.
Uuups, wie war das noch mal, ah ja, steht ja da, 4 Takte G7, 2 Takte C7, dann G7, dann Zwischendominante auf den Am7, D7, G7 usw.

Ich habe mich an die Beiträge hier erinnert und mal versucht, ganz einfach anzufangen: Zunächst mal nur mit den Grundtönen der Akkorde gespielt, dann kamen automatisch Stimmführungsdinge aus den Fingern
Dann mal Terzen und Septen dazu genommen, bewusst keine Skalen hoch und runter gespielt, und anerkennende Worte von meinem Lehrer bekommen

Mit dem Thema und den Changes vor Augen ging das ganz gut, hin und wieder habe ich dann mal das Thema nur leicht variiert, dann mal das eine oder andere Klavier-Motiv meines Lehrers versucht aufzugreifen.

Was gut war, war, dass ich nie "lost" war, sondern immer wusste, wo ich mich befand

Der langen Rede kurzer Sinn: Nicht zuletzt aufgrund Eurer Anregungen war es ein durchweg positiver Improvisationsversuch meinerseits!

Hoffentlich geht es weiter so...

Grüße
Saxolina

 

Schick, dann habe ich ja noch Hoffnung. Die Voraussetzung

bringe ich ja locker mit

Sieht ganz so aus, dass Du auf dem richtigen Weg bist, fein...

besten Gruß
saxfax

 

@ saxolina
super, daß Du Dich in Deiner letzten Stunde an einige Sachen erinnern (Terz-Sept) und gegen Lehrerlob eintauschen konntest!
Habe mich in den letzten Tagen sehr zurückgehalten, weil ich bei den tollen Beiträgen lieber auf der Schülerseite saß und viel dazugelernt habe.


@ saxfax
Deine Signatur (HALT den Dieb - halt DEN Dieb - halt den DIEB) ist eine super Eselsbrücke für den rhythmischen Einstieg in Impro-Phrasen - immerhin schon drei verschiedene Möglichkeiten!
Selbst "gebastelt" oder gibt es eine "fertige Sammlung" ???

Vielleicht kennen andere ähnliches?

Gruß
HeinTS

 

Moin HeinTS,

danke, aber die Ehre gebührt nicht mir sondern allein Peter Wespi, der uns damit auf dem Treffen in Freiburg im März rhythmisch auf die Sprünge geholfen hat. Und er hat noch mehr im Repertoire

Besten Gruß
saxfax

 

Mein lieber Hein, diese Stunde hat nun wirklich noch lange nicht geschlagen

Gruß,
xcielo

 

Klassischer Fall von "verformuliert" ... außerdem habe ich schon wieder "dass" falsch geschrieben ...


Aber nebenbei: auch die letzte "Unterrichtsstunde" wird kommen!

@ saxolina

 

So gesehen könnte jede (Unterrichts-)Stunde die letzte sein, warum auch immer.

Ich könnte plötzlich derart göttlich improvisieren können, dass ich keine weitere Stunde benötigte

Sagen wirs mal so: Man lernt nie auch (und nicht: Man lernt nie. Aus.)

Beim nächsten Lichtblick in Sachen Impro melde ich mich wieder

Grüße
Saxolina

 

Oh, Mist, ich wollte natürlich schreiben

Man lernt nie aus.

Sorry.

Grüße
Saxolina

 

Die Beschreibung finde ich super. Ein Aspekt kommt mir allerdings etwas kurz: die Melodie des Standards. Ich finde sie ist ein wichtiger Bezugspunkt bei der Imprfovisation. Man sollte die Melodie also nicht nur lernen, sondern auch lernen, wie man sie bzw. Motive daraus in die Improvisation einbauen und weiterentwickeln kann.

Eine Frage habe ich noch zu den „Basstönen“: Meinst Du damit zunächst einfach die Grundtöne der jeweiligen Akkorde? Und wenn ja, wie entwickelst Du daraus dann den Walking Bass? Leitest Du die weiteren Töne eher aus den Akkordtönen und Skalen ab, oder gibt es dafür noch ein bestimmtes Vorgehen?

 

"Hör ich keinen Bass, scheiss ich auf die Melodie".

Hanns Eisler

 

Ich bin zwar nicht der Adressat deiner Frage, kann aber trotzdem eine Antwort geben. Das Klischee ist, dass man auf die 1 den Grundton, und auf die vier einen chromatischen Nachbarton oder die Quinte zum Grundton des nächsten Taktes spielt. Auf die 3 spielt man vorzugsweise einen Akkordton und auf die 2 einen Akkord- oder Skalenton. Das Muster bezieht sich auf ganztaktige Akkordwechsel und ist ganz und gar nicht in Stein gemeißelt.
Ich finde es sehr schwierig auf dem Saxophon Walking Bass zu spielen. Obwohl ich wirklich viel Arpeggien übe und darin relativ sicher bin, ist diese Spielweise nochmal ein ziemliche Herausforderung für mich. Das Timing ist dann nochmal eine ganz andere Baustelle. Auf der Gitarre oder dem Bass finde ich es im Vergleich wesentlich einfacher, da man Muster einfach verschieben kann und gut sieht, „wohin“ man seine Line spielen muss.

 

...dem kann ich voll zustimmen. Gerade zum einsteigen in das Solo finde ich das Klasse.

Innerhalb der klassischen (2)-5-1 Bausteine bin ich auch einigermaßen zufrieden mit meinem Fortschritt hier freier zu spielen (u.a. #Barry Harris halftone steps). Allerdings fühlt es sich insbesondere bei Tonartwechseln für mich noch deutlich zu statisch / vertikal an.

Hat hier jemand Tipps/Kniffe/Methoden/Tools, wie diese "Stolperstellen" -welche ja eigentlich harmonisch den größten Reiz bieten sollten- horizontal attraktiv & flüssig miteinander verwoben werden können?

 

...vielen Dank für Deine schnelle Antwort. Mal angenommen, dass das bereits klar wäre, wollte ich mich zu Hinweisen erkundigen, die jenseits der für jeden Chord modalen (vertikalen) Herangehensweise liegen, da dieser Approach mich -gefühlt- mein Potential nicht entfalten lässt

-> Mein Ohr wünscht sich: schüttle schöne, rhythmisch Interessante und tonartübergreifende Linien aus dem Ärmel. Mit der modalen Brille klappt das (bei mir) nicht spontan. Wie geht man das also an?

 

Ich habe das von dir ja hier in dieser Form schon ein paar mal gehört und finde das einen total sinnvollen Ansatz. Jeder muss natürlich schauen, was für ihn am besten funktioniert, aber bei mir ist das tatsächlich so ähnlich. Ich bin ja einer von den Leuten, die eher vom Ohr her kommen und die bei Noten ins Stolpern kommen. Ich arbeite da seit Jahren dran, aber an dieser grundsätzlichen Prägung ändert sich nichts.

Ich brauche das Stück vor allem im Ohr. Wenn jemand ein Stück ansagt, das ich noch nie gehört habe, steige ich besser aus, auch wenn da Noten liegen. Das ist manchmal traurig, aber eigentlich sowieso nicht das, was ich beim Musikmachen suche. Ich finde diese Geschichte von Chet Baker sehr sympathisch, der wohl immer gefragt hat, mit welchem Ton das Stück anfängt, dann war für ihn alles ok. Der brauchte kein Leadsheet. Oder da gibt es eine Masterclass mit Joe Pass, wo eine Zuhörerin fragt "Was machen Sie in einer ii-V Situation?" und er fragt etwas kokett zurück "In was? Was soll das heißen ii-V? D-moll, G7 oder was?".
Um nicht missverstanden zu werden - diese theoretischen Hintergründe sind natürlich sehr hilfreich. Es ist schon gut, wenn man das versteht, aber für Musik, die auch Spaß macht, braucht es für mich vor allem etwas anderes, und was das ist, ist etwas schwer zu sagen.

Wenn ich mich auf ein neues Stück vorbereiten will, dann höre ich es mir vor allem oft an. Gerne von Sängerinnen oder Sängern, möglichst klar. Damit ich es mitsingen könnte. Wenn ich zu früh mit dem Spielen anfange, dann passiert mir oft, dass ich die Form nicht im Gefühl habe. Meistens spiele ich dann bei einem Stück, das eigentlich AABA geht, ABABABA. Und wenn in dem Stück moduliert wird, dann freue ich mich, dass ich weiß, dass es cool klingen wird, wenn

. Das ist eher andersherum für mich. Ich höre das Gis vor und verstehe dann erst hinterher, dass das damit tun hat, dass da E7 gespielt wird.
Ich glaube, man muss diesen Tunnel von zwei Seiten bohren. Es ist faszinierend zu wissen, was eine Backdoor Progression ist, aber das nutzt mir nur wenig, wenn das Lehrbuchwissen bleibt und nicht intuitiv. Ich hoffe immer, ich kann bescheiden genug bleiben, mich nicht größer aufzuplustern, als ich auch spielen kann. Und das ist leider nicht sehr viel. Theoretisch verstehe ich das alles, aber wenn das Stück gerade neu ist, komme ich bei den meisten Sachen schnell ins Stolpern. Was mir dann oft hilft ist vereinfachen. Den Grundton spielen. Joe Pass sagt in dem besagten Filmchen, er spiele keine ii-V. Er spiele einfach V. Was natürlich Unsinn ist, aber ich verstehe das als Aufforderung, nicht irgendwelche theoretischen Konzepte auszuwalzen, nur weil jemand gesagt hat, sie wären gut.

 

Dem kann ich voll zustimmen. Es geht m.E. ja bei der intuitiven Improvisation auch nicht darum maximal viele (komplexe) Noten zu spielen und dadurch Kompetenz zu suggerieren und das Ego zu befriedigen, sondern vom eigenen Ohr ein Feedback zu bekommen: "wie geil war das denn". Somit lässt sich für mich bei Konzepten recht schnell die Spreu vom Weizen trennen, in Abhängigkeit davon wie schnell ein Konzept zu diesem Ergebnis führt.

Gerade weil das so ist, versuche ich gerade -praktisch- diesen Elefant in Scheiben zu schneiden und nach Gehör und insbesondere patternbasiert anzugehen. Mit patternbasiert meine ich eine innere Visualisierung von Abläufen über die Klaviatur/Applikatur. Und dabei scheint es Möglichkeiten zu geben, die die Vielzahl der unterschiedlich zu memorisierenden Patterns deutlich reduziert. Ein weiterer Punkt ist die Rhythmik. Dort macht es Sinn, ein System zu haben, welches hilft auf den Beats die Akkordtöne zu spielen, mindestens jedoch am Ende des Patterns auf ihnen zu landen. Das ist aufgrund i.d.R. 7 Skalentönen in Verbindung mit Achtelnoten ein nicht zu vernachlässigender Punkt.

...vor dem o.g. Hintergrund halte ich diese Aussage von Joe Pass für Solo´s gar nicht unsinnig. Mit den Patterns einer Dom7 Skala, die mit Zwischentönen zur rhythmischen Balance ausstaffiert ist, kann auch ein m7b5 (auf Stufe III), ein m7 (auf Stufe V) oder ein maj7 (auf Stufe VII, jeweils der Dom7) rhytmisch korrekt "vertont" werden. Für eine 2-5-1 Verbindung folgt daraus, dass die exakt gleiche Dom7-Skala mit Zwischentönen für die II & die V herangezogen werden kann.